¿Qué es la fotografía? ¿El arte de capturar la luz y pintar imágenes con ella? ¿Un lenguaje pictórico universal? ¿Una de las materias primas del propio cine, junto con el tiempo mismo? ¿Algo entre todas las anteriores? Quizá. Ha sido también uno de los temas preferidos del cine, dando lugar a decenas de películas sobre la fotografía, tanto en la ficción como en el documental.
Se trata de películas esenciales para cualquier aspirante a fotógrafo. Después de verlas, quizá acabes más lejos que cerca de una respuesta concisa sobre lo que es o debe ser la fotografía. Pero sí que tendrás un entendimiento más cercano de lo que es en su esencia, así como de su infinidad de posibilidades –creativas, expresivas, periodísticas, sociales, espirituales y todo lo que haya en el medio.
5 PELÍCULAS ESENCIALES SOBRE LA FOTOGRAFÍA
DESCUBRIENDO A VIVIAN MAIER (2013)
Que se haya autodefinido como una especie de “espía” dice mucho sobre Vivian Dorothy Maier, una maestra de la fotografía callejera. Calificativo que nunca conoció en vida: trabajó buena parte de su vida como niñera, tomando decenas de miles de fotografías como hobby, que nunca enseñó a nadie.
Tanto su trabajo como su vida fueron descubiertos poco después de su muerte en 2009, proceso que relata el documental Descubriendo a Vivian Maier. Una búsqueda inaudita que implicó la adquisición de sus negativos por un coleccionista y la reconstrucción de su vida según quienes la conocieron. En efecto, una “espía” que pocos conocieron, pero con el talento para acercarse a un ser humano y plasmar su alma por medio de la cámara.
BLOW-UP (1966)
La primera película en inglés del cineasta italiano Michelangelo Antonioni, luego de consagrarse como autor con L’Avventura (1960). Blow-Up contiene parte de ese mismo espíritu hastiado por la clase privilegiada: la trama comienza con un cotizado fotógrafo de modas (David Hemmings), quien ha ganado reconocimiento y lujo por su trabajo en esta banal escena londinense.
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Su hartazgo en un día de trabajo lo conduce a vagar por la ciudad y, luego de seguir y fotografiar sin consentimiento a una pareja, descubre lo que parece ser evidencia de un asesinato en una de sus imágenes. El misterio lo conduce a reflexionar sobre su trabajo y el privilegio que su profesión le confiere al acto de mirar las vidas de otros. La resolución es lo de menos: Antonioni propone una interesante reflexión sobre la relación entre el ser humano y la realidad (y el arte como mediador de todo).
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LA SAL DE LA TIERRA (2014)
¿Qué miramos y qué hay detrás de las imágenes? Este documental del eterno cineasta errante Wim Wenders se sumerge en el trabajo del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, con ayuda de su hijo Juliano Ribeiro Salgado, codirector del largometraje.
La sal de la Tierra es una película esencial sobre la labor misma del fotógrafo, sobre cómo las historias personales pueden informar la visión del mundo, y cómo ésta es plasmada en cada fotografía. Y, a veces, lo que vemos en la imagen y detrás de ella es profundamente oscuro. ¿Pero qué es la historia, sin tan necesario testimonio visual que hoy en día es cuestionado con frivolidad para servir a intereses económicos y políticos?
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EL HOMBRE QUE VIO DEMASIADO (2015)
Trisha Ziff es una de las documentalistas trabajando en México cruciales sobre el rol de la fotografía –y el arte, por extensión– en la formación de una memoria histórica, familiar, cultural. Puede argumentarse que, para efectos de la vida en el México urbano del siglo XX y contemporáneo, ninguno de sus trabajos ha sido más vital que El hombre que vio demasiado, documental sobre el legendario cronista de nota roja, Enrique Metinides.
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El propio título plantea una pregunta existencial para el fotógrafo: ¿puede verse demasiado? A través del enorme archivo fotográfico de Metinides y testimonios de quienes le conocieron –incluyendo a colegas y su familia–, Ziff nos presenta la existencia de un hombre que caminó la delgada línea entre una cotidianidad mundana y la violencia brutal que siempre la depreda, todo al servicio de la maquinaria periodística.
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ROSTROS Y LUGARES (2017)
En su faceta de documentalista, Agnès Varda debería ser una cineasta esencial para cualquier fotógrafo, por su acercamiento tan lúdico como compasivo hacia la vida en la Francia rural. En Rostros y lugares, penúltimo trabajo antes de su muerte, une fuerzas con el artista visual JR, y juntos hacen un experimento cinematográfico.
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El resultado es tanto un juego como un documental, en el que ambos artistas viajan por varias comunidades de Francia, fotografiando gente y plasmando grandes imágenes suyas en espacios públicos. Varda y JR nos plantean cuestiones interesantes con las imágenes como preservadoras de memorias: los lugares son espacios que no existen en sí mismos, sino que son de quienes los habitan y experimentan. La fotografía, pues, se convierte en un medio de expresión colectiva y de apropiación de espacios.
