Si eres un aficionado a la historia del cine, y sobre todo la del cine estadounidense, inevitablemente te encontrarás con un peculiar término: Nuevo Hollywood, o New Hollywood. Incluso puede que te parezca irónico dado que de “nuevo” ya no tiene nada: se refiere a un periodo de hace más de 50 años.
Sin embargo, y dado que tuvo su epicentro en Hollywood, se trata de uno de los periodos más influyentes en la historia del cine mundial, cuyas repercusiones aún pueden notarse dentro y fuera de sus fronteras al día de hoy. Acá te contamos todo al respecto en esta guía de Film Club Café.
Ten en cuenta que muchas de las películas que mencionaremos a continuación están disponibles en el catálogo en DVD de nuestra videoteca, al que podrás acceder si cuentas con tu membresía.
TODO LO QUE DEBES SABER SOBRE EL NUEVO HOLLYWOOD
- ¿Qué es el Nuevo Hollywood?
- Antecedentes: ¿cómo surgió el Nuevo Hollywood?
- ¿Cuáles son sus influencias y características?
- Cineastas y películas clave
- Declive y legado del Nuevo Hollywood
¿QUÉ ES EL NUEVO HOLLYWOOD?
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El término Nuevo Hollywood, o New Hollywood, se refiere a un movimiento en la historia del cine hollywoodense que vio el ascenso de una nueva generación de cineastas, y que revolucionaron el tipo de películas y la manera en que se hacían en los Estados Unidos. Algunos lo definen más como un periodo que un movimiento unificado, y dependiendo de diversos criterios, abarca aproximadamente desde mediados de la década de 1960 hasta la de 1980.
Grosso modo, los cineastas de esta generación rechazaban el viejo sistema de estudios de Hollywood, en favor de una visión autoral del cine, es decir, con la primacía creativa del director, con una mayor experimentación formal y temática. Por lo tanto, ciertos teóricos prefieren el término de “Hollywood posclásico”, pues este cine rompe con los modos de representación del “Hollywood clásico”.
Respecto a dichos temas, estas películas reflejaban los intereses y preocupaciones de las generaciones más jóvenes en los Estados Unidos de aquella época. La contracultura, el rechazo a la Guerra de Vietnam, la revolución y otros factores tuvieron influencia en las representaciones cinematográficas de su tiempo, que finalmente estaban libres para abordar tales temáticas luego de décadas de censura por el llamado Código Hays. Por estos y varios otros motivos, el académico Todd Berliner escribe en su libro Hollywood Incoherent: Narration in Seventies Cinema (EUA, 2010), que este es el período de transformación más significativo para Hollywood desde la introducción del sonido.
ANTECEDENTES: ¿CÓMO SURGIÓ EL NUEVO HOLLYWOOD?
El surgimiento del Nuevo Hollywood responde a una amplia gama de factores sociales y culturales tanto dentro como fuera de los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.
Al interior de Hollywood, un cambio determinante fue el “Caso Paramount”, una decisión de la Suprema Corte de Justicia de los Estados Unidos que, en 1948, declaró que los estudios de cine violaban la ley antimonopolios, pues además de producir y distribuir sus películas, poseían salas de cine, en las que podían decidir qué exhibir (generalmente, sus propias películas).
Con la decisión, los estudios se vieron obligados a vender sus cines, que ahora podían decidir qué programar en cartelera, cómo y cuándo hacerlo. Esto abrió la puerta a la exhibición de propuestas de otros países como Francia, Italia o Japón, que tuvieron una influencia determinante en temáticas y estilos del Nuevo Hollywood.
Otros dos factores que en combinación fueron un fuerte golpe para la industria del “viejo Hollywood” fueron el ascenso de la televisión en la década de 1950, y la brecha generacional con el público de la generación baby boomer, que se estaban convirtiendo en adolescentes y jóvenes adultos durante la década de 1960.
La televisión planteó un desafío existencial para el cine, pues muchos espectadores ya no estaban dispuestos a pagar por ir a las salas cuando podían tener entretenimiento en casa. Esto obligó a los estudios a experimentar con formas novedosas de hacer cine para atraer al público de regreso. Esta época vio la proliferación del sonido estéreo, un mayor énfasis en el uso del Technicolor (la televisión a color no se volvería sino hasta entrados los 60), así como el ascenso del formato Cinemascope. Este formato permitía, grosso modo, capturar imágenes panorámicas que ofrecían una experiencia inmersiva en las salas.
Los estudios tuvieron éxito con producciones que lucían dichas tecnologías durante los años 50, particularmente musicales y épicas históricas como Ben-Hur (1959). Todavía vieron algunos dividendos con títulos como Mary Poppins (1964) y La novia rebelde (The Sound of Music, 1965). Sin embargo, los costos de producción de cine crecían sin parar. En 1963, los elevados costos de producción de Cleopatra casi dejan a 20th Century Fox en bancarrota.
Al mismo tiempo, los gustos del público comenzaban a cambiar, y las nuevas generaciones—con mayor acceso a la educación—no veían reflejado en este cine sus preocupaciones por el contexto social, económico y político. El rechazo a la Guerra de Vietnam, la segunda ola del feminismo y la liberación sexual, el Movimiento por los derechos civiles y la contracultura de la década marcaron las temáticas que interesarían a los jóvenes boomers. Y con la debilitación del código de censura a lo largo de la década hasta su eliminación en 1968, la nueva generación de cineastas estaría libre para abordarlos en sus películas.
¿CUÁLES SON SUS INFLUENCIAS Y CARACTERÍSTICAS?
Dadas las inclinaciones autorales de los cineastas del Nuevo Hollywood, la influencia más directa tiene que ser la Nueva Ola de Cine Francés, o Nouvelle Vague, cuyos cineastas (muchos de ellos también críticos de cine) fueron los principales impulsores de la teoría de autor y de realizar visiones personales del arte cinematográfico.
Sin embargo, con la entrada de producciones extranjeras a la exhibición de cine en Estados Unidos tras el “Caso Paramount”, los directores de esta generación tuvieron acceso a otras propuestas del cine mundial de mediados de siglo, además de las del Hollywood clásico. Por lo tanto, otras influencias importantes son las películas del Neorrealismo italiano, los spaghetti westerns, y el cine japonés de la época—particularmente, las obras del director Akira Kurosawa–.
Varios de los directores del movimiento tuvieron una influencia directa del cineasta Roger Corman, el “Rey del Cine B”, quien trabajó en toda clase de producciones de drama, terror y ciencia ficción de bajo presupuesto. Fue mentor de directores como Francis Ford Coppola y Peter Bogdanovich.
Temáticamente, y ya libres de la censura del Código Hays, estas películas comenzarían a presentar narrativas con temas más diversos—y hasta entonces, tabú—, con estilos formales más libres y narrativas más críticas. La sexualidad, el uso de drogas, posturas antibélicas, personajes más humanos y complejos, además de una visión desidealizada del pasado estadounidense y perspectivas más cínicas del porvenir, son comunes en las propuestas del Nuevo Hollywood.
CINEASTAS Y PELÍCULAS CLAVE
Para los ejecutivos del decadente Hollywood de la época, el principal criterio para atraer a una nueva generación de cineastas era que debían ser jóvenes, para estar en sincronía con los intereses de la audiencia que estaban perdiendo. Algunos incluso eran “forasteros” de la industria: los guionistas de Bonnie y Clyde (1967)—la película a la que se atribuye el comienzo del Nuevo Hollywood—empezaron como escritores de la revista Esquire, Robert Benton y David Newman.
Sin embargo, se trata de una generación bastante amplia de directores, productores, guionistas y actores. Abarcarla por completo sería una tarea demandante para libros completos, por lo que sólo incluiremos algunos ejemplos emblemáticos:
- Bonnie y Clyde (Dir. Arthur Penn, 1967)
- El graduado (The Graduate, Dir. Mike Nichols, 1967)
- Busco mi destino (Easy Rider, Dir. Dennis Hopper, 1969)
- Vaquero de medianoche (Midnight Cowboy, Dir. John Schlesinger, 1969)
- Contacto en Francia (The French Connection, Dir. William Friedkin, 1971)
- La última película (The Last Picture Show, Dir. Peter Bogdanovich, 1971)
- El padrino (The Godfather, Dir. Francis Ford Coppola, 1972)
- Locura de verano (American Graffiti, Dir. George Lucas, 1973)
- Calles peligrosas (Mean Streets, Dir. Martin Scorsese, 1973)
Recuerda que todos estos títulos están disponibles en el catálogo de la videoteca del Film Club Café, accesibles para rentar en DVD con tu membresía.
DECLIVE Y LEGADO DEL NUEVO HOLLYWOOD
Durante una década completa, el Nuevo Hollywood fue tierra fértil para un cine propositivo, formal y temáticamente innovador. Sin embargo, críticos e historiadores coinciden en que el heraldo del fin para el período tiene nombre y fecha de nacimiento: el blockbuster. Particularmente, el éxito de Tiburón (Jaws, 1975) de Steven Spielberg.
A partir de entonces, como es la costumbre, los estudios se inclinaron por las fórmulas probadas y que funcionan. Se comenzaron a priorizar las producciones espectaculares con grandes efectos especiales. A Spielberg le seguiría George Lucas con Star Wars (hoy conocida como Una nueva esperanza, 1977), que sentó el modelo para las franquicias cinematográficas.
Entre el éxito de los blockbusters y la nueva inclinación hacia el conservadurismo de la presidencia de Ronald Reagan en los años 80, hubo menos lugar para propuestas cinematográficas autorales, más experimentales y contestatarias.
Sin embargo, la influencia del Nuevo Hollywood aún puede sentirse hoy. No sólo porque cineastas como Scorsese o Coppola continúan trabajando al día de hoy, sino porque este período es, quizá, el que mejor ilustra la tensión entre el arte y el éxito comercial que se encuentra en el corazón de la innovación del cine industrial hollywoodense—y, en realidad, del cine mismo—.
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